"Wreck-It Ralph"

"Ralph el Demoledor"
(2012)

Dirigida por Rick Moore, “Wreck-it Ralph” es una de las mejores películas que la compañía de Disney ha hecho desde hace un tiempo, formando parte de la lista de los Clásicos de Disney (siendo el #52).

Realizada por la Walt Disney Animation Studios, se presentan distintos tipos de mundos dentro de una animación espectacular (como siempre, hay que aclarar). Para lograrlo, todos los realizadores y trabajadores del filme se dedicaron a visitar muchos Arcades, jugaron muchos videojuegos clásicos y más modernos, conversaron con programadores de juegos (a su vez para obtener diversos modismos del mundo de los videojuegos y de la programación), y estudiaron las texturas y los movimientos de distintos dulces y postres como pasteles y helados. (Qué mal trabajo, ¿verdad?).

Todo se desarrolla dentro de las consolas de videojuegos del Litwak Arcade, con muy poca intervención del mundo exterior, es decir, en de las personas reales. 

Dentro de la película se presentan cuatro mundos principales, cada uno con características propias. Primero está el juego de “Fix-it Felix Jr.”, de la década de los 80’s, con una programación sencilla en la trama del juego: un simple villano, Ralph, y el héroe, Felix. Y lo peor que le puede llegar a pasar al héroe es que le caiga un ladrillo en la cabeza, o ser asesinado por un pato. Y claro está, los Nicelanders, aquellos pequeños personajes a los que Felix ha de ayudar.

El estilo de programación de este juego es de 8 bits, con formas, colores y movimientos limitados para los personajes, y funciones sencillas como simplemente saltar. Algo que la animadora logró representar de manera increíble. Un ejemplo de ello a su vez es la escena donde Ralph destruye el pastel realizado por los Nicelanders, dejando los restos desparramados por el lugar con una forma y movimiento pixelados. Un pequeño detalle que vale mucho en realidad, y hay más de este estilo a lo largo de la historia, logrando enriquece la película de manera extraordinaria.

El segundo mundo es “Sugar Rush Speedway”, un juego de go-karts de los 90’s, ambientado en un mundo de dulces y postres (de allí el estudio especializado de los movimientos de pasteles y helados).  Todos los movimientos son muchos más fluídos, con cierta influencia de la animación anime en el diseño de los personajes. Las mismas pistas de carreras simulan las que se pueden encontrar en “Mario Kart”, con flechas de aceleración y premios durante la carrera.

El tercer mundo es “Hero’s Duty”, el juego más moderno de todo el Arcade, tanto en los gráficos como en su historia. Posee una alta definición y un detalle en cada uno de los personajes, quienes tienen movimientos más fluídos y un tanto más autónomos. La historia conlleva una guerra espacial contra los cy-bugs, un experimento que salió mal por parte de los marines, siendo un juego algo más intenso y violento que los demás basado en disparos. Claro está, más violento que muchos de los juegos presentes en el Arcade (Podría decirse que este juego está inspirado en "Halo" y "Call of Duty").

Y el cuarto mundo es el Game Central Station (Estación Central de Juegos), que originalmente resulta ser el dispositivo eléctrico en el cual todos los juegos del Arcade se encuentran enchufados. A través de los cables, los personajes pueden ir a la estación desde sus juegos y encontrarse con otros personajes, además de conocer otros juegos.

Hablando de ello, hay algo que me causó un gran gusto en la película: el cameo a diversos videojuegos y personajes conocidos, como Sonic The Hedgehog, Bowser de Mario, Q*bert, Pac-Man y los fantasmitas, entre otros.

Como experiencia personal, quería esperar a ver la película en inglés porque sabía que en la versión doblada para latinoamérica habría mucha influencia de modismos mexicanos, algo que no me agrada del todo. No por discriminar a nadie, sino por mi humilde opinión de que el doblaje de películas debería ser lo más neutro posible. Pero tenía muchas ganas de verla (demasiadas, en realidad), y cuando se me dio la oportunidad, la tomé en seguida (a pesar de que fuese en español). Y si, efectivamente, estoy segura que de haberla visto en inglés me hubiese gustado aún más (¡demasiadas mexicanadas! Nuevamente, sin ánimos de ofender a nadie). Pero aún así no pude evitar caer maravillada con el filme.

Ya hablando de  las voces originales (porque me tomé la libertad de ver ciertas escenas en el idioma original), el cast de actores les quedó como anillo al dedo, pues hasta los mismos personajes tienen cierto parecido físico con los actores que les dieron vida con sus voces. Tenemos a John Reilly como Ralph, Jack McBrayer como Felix, Jane Lynch interpretando a la Sargento Tamora Calhoun, y Sarah Silverman con la voz de Vanellope (doblada al español por Maria Antonieta de las Nieves, mejor conocida como la Chilindrina. Aunque la voz pegaba con el personaje, a veces se perdía lo que decía en su diálogo, pues la voz sonaba un tanto ronca y forzada, otro aspecto que me entristeció del doblaje).

Ya hubo dos intentos anteriores a finales de los 90’s con “Joe Jump”, y luego a mediados del 2000 con “Reboot Ralph”. Y pienso que lo mejor es que hayan esperado el momento adecuado para hacerlo, que es ahora. Y es que “Wreck-It Ralph” podrá parecer una película más de Disney, pero el contenido que tiene la historia es mucho más profundo que buscar una medalla de oro o hacer una película sobre videojuegos.

Tenemos a Ralph, el villano de su juego que sueña con ser el héroe al menos una vez y agradar al resto de sus compañeros. Es la historia de cómo alguien desafía su destino, y desea convertirse en algo totalmente diferente. Para ello, Ralph abandona el único lugar que ha conocido en toda su existencia para buscar aquello que lo convertirá en héroe. Y comienza el viaje por distintos juegos.

Felix es el héroe de su juego, y aunque uno podría llegar a sospechar que no fuera del todo bueno por su actitud y la de los Nicelanders hacia Ralph, la realidad es muy distinta. Felix es un personaje netamente bueno, quizás la figura de  héroe por excelencia, pues busca complacer a todos como pueda. Nunca desprecia a Ralph en ningún momento, sino todo lo contrario; se preocupa por él al notar que intenta agradar a los Nicelanders, y sale a buscarlo cuando se entera que Ralph se ha ido de su juego. Y más adelante, Felix lo reconoce como su hermano, después de todo pertenecen al mismo juego.

Algo más sobre Felix es que su poder principal es reparar todo lo que toca con su martillo dorado. Pero a la mitad de la historia, Felix se da cuenta que no es algo muy bueno arreglar todo; a veces es bueno demoler ciertas cosas. Algo que Ralph también logra aprender hacia el final del filme. La cuestión no es saber reparar o demoler cosas, sino saber cuándo hacerlo y por qué.

Y es que el trabajo de Ralph es ser el villano de su juego. Pero eso no significa que él sea malo, es simplemente la labor que le tocó hacer.

A esto se adhiere otro aspecto que me encantó de la película y que no la coloca en el montón de “una más de Disney”. Ralph es el villano, pero es bueno. Ahora hay un personaje héroe que es un villano. De allí que el trabajo que les tocó hacer no los define como lo que son en realidad.

Se presenta Turbo (Alan Tudyk) y su juego de carreras “Turbo Time”, donde él es el héroe de alguna manera, un héroe que siempre buscaba llamar la atención. Y como es de esperarse, nuevos juegos llegan al Arcade, a lo que Turbo, celoso, decide invadirlos hasta convertirse en un virus que dañaba los juegos llevándolos a su desconexión. Pero su avaricia no termina allí. Turbo es quizás uno de los mejores villanos que Disney ha creado en mucho tiempo.

Elemento importante de la historia, la desconexión de los juegos, que es relativo a la muerte para ellos, pues es el fin del único origen de su existencia. No hay que aclarar que es el mayor de los temores de todos los juegos del Arcade. Si, esta película tiene muchos elementos que la hacen increíble si uno se dedica a verlos claramente.

Vanellope Von Schweetz (genial el nombre) se presenta como una falla dentro de su juego, teniendo dificultades para moverse en las carreras. Pero Vanellope aprende a usar su defecto a su favor, lo cual termina siendo una herramienta muy útil dentro de la historia. Se puede decir con esto que todos tenemos defectos como personas, pero  debemos aprender a vivir con ellos y, si se puede (afirmo ahora que sí se puede) buscar utilizarlos a nuestro favor, como lo hizo Vanellope.

Muchas sorpresas se presentan en la película con los temas de amistad, la lucha contra el bien y el mal, una parejita muy dispareja pero que da la sensación de que, desde el inicio, estuvieron hechos el uno para el otro, demostrando que lo importante es la persona tal cual es, y no tanto su aspecto físico o aquello que posea con lo que nos podemos beneficiar.

¿Momentos Disney? Si los hay, pero presentados de una manera distinta que no parecen muy Disney. Uno de ellos, y causa de muchas risas, es el “momento romántico” entre Calhoun y Felix con la cancioncita de los Laffy Taffy, interrumpida por los disparos de la sargento. Y cuando se devela la verdadera naturaleza de Vanellope dentro de su juego.

Pienso que en manos de otra persona el Soundtrack hubiese sido una maravilla, aunque he de reconocer que Henry Jackman hizo un gran trabajo. La banda sonora de la película tiene un tono muy relacionado con los videojuegos. Es decir, parece música para videojuegos, pero es algo más elaborado y complejo con la sensación de videojuegos al agregar los pequeños sonidos que muchos conocemos, como el de monedas, poderes y saltos. Mejor imposible para una película de este estilo. Algo de eso se puede notar en los tracks de "LaffyTaffies", "Life in the Arcade" y "Royal Raceway". 

Muchos mensajes deja la película en relación a diversos temas. Pero quizás el más importante de todos es que no tenemos por qué conformarnos con lo que supuestamente fuimos “programados” para hacer en la vida. Cuestionarnos por qué hacemos ciertas cosas de determinada forma, qué nos hace ser lo que somos, y cómo podemos ser cada vez mejores. Todos somos buenos en algo, y hay que buscar rodearnos de personas que nos quieran y nos aprecien por ello y por lo que somos, siempre apoyándonos en todo. Como menciona Ralph: “Because if that little kid likes me, how bad can I be?” | “Porque si esa pequeña niña me quiere, ¿qué tan malo puedo ser?”.

Tenemos que soñar con ir más allá. Aceptar quienes somos, claro que sí, pero seguir en la búsqueda de ser lo mejor que podamos ser. Y si queremos cambiar nuestras circunstancias y demostrar quiénes somos en realidad... pues simplemente hay que decidirse a actuar, y hacerlo.  

* Escena: Ralph se lanza hacia la Diet Coke Mountain recitando el lema de los villanos, con la intención de salvar a aquellos que en verdad lo quieren por lo que es. 

* Soundtrack: "Arcade Finale" - Henry Jackman | "When Can I See You Again?" - Owl City

* Quotation: Ralph: "I'm bad, and that's good. I will never be good, and that's not bad. There's no one I'd rather be than me". 
* Página Oficial: http://disney.go.com/wreck-it-ralph/

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"Dark Shadows"

"Sombras Tenebrosas"

(2012)

Dirigida por Tim Burton como homenaje a la novela de 1966 de la ABC, creación de Dan Curtis. Una novela que no tuvo mucho éxito en sus inicios, pero que hoy en día tiene sus cultos dentro de la cultura popular, sobre todo por sus escenarios épicos, giros dramáticos en la historia, y elementos sobrenaturales en donde destacan criaturas como vampiros, brujas, zombies y hombres lobo.

Una de las películas más esperadas del momento, por tratarse de Tim Burton, se esperaba que “Dark Shadows” tuviese un estilo similar al que se presenta en “Beetlejuice”. Mi decepsión no pudo ser mayor, no tanto por el estilo en que está realizada la película, pues visualmente es muy buena, sino más bien por múltiples razones, como la forma en que está contada la historia, la actuación de los personajes, el Soundtrack, y otros aspectos más.

Algo que hay que dejar en claro: el intento de Burton de basarse en la novela original de 1966 no permitió precisar el género de la película; ¿es una comedia, un drama, o una historia de terror? Y si se trató de buscar una combinación de los tres, pues no se llevó a cabo de manera clara.

Tampoco hay una trama como tal, una verdadera historia que se le presente al espectador, más que la clara insinuación de una bruja que quiere el amor de un hombre que la rechaza, y por tanto maldice a toda su familia. Es como si se forzara meter en un largometraje de dos horas y media toda la trama de una novela, la cual, claro está, tiene mayor espacio y tiempo para contar una historia con todos los elementos que se le quiera agregar, y por ende, es algo mucho más complejo y extenso.

Las actuaciones es una de las cosas que encontré más lamentable. Johnny Depp es reconocido por la excelente personificación de sus personajes, mencionando que es muy bueno haciendo personajes raros. Pero éste no es el caso con “Dark Shadows”. Su personificación del vampiro Barnabas Collins no está del todo mal. Pero hay que darse cuenta de que este personaje tiene riqueza y potencial, y Depp no logró encausar su energía para darle todo el empuje que el personaje se merecía. Le faltó un poco más de la intensidad que el actor vuelca  en sus personajes en general.

El caso de Helena Bonham Carter es similar; presunta contraparte femenina de Johnny Depp en el mundo actoral. Su actuación como la doctora Hoffman no llegó ni a la mitad de lo que ella normalmente hace. Siendo esposa de Burton, sorprende darse cuenta lo poco que el director se esforzó para sacarle a la actriz su verdadero potencial. Su personaje parece apenas un agregado a toda la historia, como una excusa posible y desesperada para realizar una secuela de este filme.

Otro motivo por el que la película era esperada por el mercado cinematográfico, era una especie de regreso de Michelle Pfiffer, con la anticipación de una buena actuación como las que ha demostrado antes en otras películas. Pero con su personaje, Elizabeth, ocurre algo similar a los casos de Depp y Carter, transmite una energía muy débil, con poca interacción e importancia en la historia.

Me pareció innecesario, y más como una actitud de desespero, querer agregarle al largometraje todos los elementos presentes en la novela original. Hago referencia a la chica loba y a los fantasmas, quienes no aportan nada importabnte a la narración de la historia. Y otro aspecto que he de agregar a esto es la escena en que la bruja, Angelique Bouchard (interpretada por Eva Green), le lanza su vómito a Barnabas durante uno de sus diálogos, algo que encontré bastante desagradable y, nuevamente, innecesario en el filme, pues no le aporta nada a la historia. Más bien, pareciera degradarlo a “algo” que busca causar gracia al público espectador por el simple hecho de hacerlo un poco más comercial (similar a lo que ocurre con “Alice in Wonderland”, con el baile de celebración del Sombrerero, por ejemplo).

Algo muy bien pensado es la manera en que Angelique se va desbaratando poco a poco, como una muñeca de porcelana, terminando de desmoronarse al entregarle su corazón a Barnabas, luego de darse cuenta de que nunca podría recibir el amor de él. Eso la lleva a la muerte, cuando el vampiro le afirma que la maldición de ella era no poder amar.

El personaje Victoria Winters, o Josette (Bella Heathcoat), pareciera estar también de pasada al no otorgarle demasiado a la historia, más que la amada perdida de Barnabas, y quien, “milagrosamente”, recuerda quién es realmente al final de la película. (Claaaaro...).

¿Otro personaje introducido a presión? Roger Collins (Johnny Lee Miller). ¿Aporte del personaje? Muy poco. Casi nada. (Por no decir “cero”).

El choque que se muestra entre dos épocas es ideal; por un lado, tenemos la era victoriana en la que comienza la historia, con todos los elementos recargados que la caracterizan. Y por otro lado está la época setentosa, con elementos minimalistas, figuras simples y colores brillantes. Una época donde el rock n roll y los hippies consumen el estilo y la actitud estancada de Barnabas Collins, quien busca abrirse paso en Collinwood no sólo como vampiro, sino como un sujeto atrapado en su pasado.

Como se mencionó anteriormente, la película es agradable visualmente, y quizás eso es lo que la salva un poco. Si hubo un intento de hacer la película al estilo de “Beetlejuice”, con el vestario y los colores intensos, logrando que al película adopte una apariencia más caricaturesca.

Predominan símbolor típicos de los filmes de Burton, como las espirales, la contraposición de luces y sombras en una misma escena, el estilo recargadod el decorado, y un tanto en las actuaciones de los personajes.

Aunque podría decirse que es necesario el uso de tecnologías de animación en cualquier largometraje que se haga hoy en día (por estilo, economía, forma, o incluso moda), en “Dark Shadows” hay como un uso exagerado de la animación, algo que es un tanto novedoso en Tim Burton. En sus anteriores películas, como “Beetlejuice” y “Edward Scissorhands”, buscaba mantener la animación al mínimo, utilizando vías convencionales o típicos en él, como la técnica del Stop-Motion. Pero luego de su experiencia con el filme de “Alice in Wonderlan”, el cual es prácticamente pura pantalla verde, pareciera que Burton se ha emocionado con eso, llevándolo a niveles extremos.

El Soundtrack, compuesto por Danny Elfman, eterno compañero de Tim Burton en la mayoría de sus largometrajes, da tributo al tema original de la serie de 1966, dándole un toque más moderno. Y a lo largo del filme, muestra nuevamente el choque ideal de épocas, al combinar elementos musicales del tipo de cine de terrorcon la música setentosa.

Elfman le da cierto toque de “antigüedad” al ambiente de la película, pero no hay sentimiento en sus notas; el conocido “cosquilleo” que le otorga el compositor a la música que crea no está presente en esta película.

Personalmente, debo decir que Danny Elfman es uno de mis compositores favoritos. Pero ya van varias  elículas (entre ellas “Alice in Wonderland”) donde su música me ha decepcionado terriblemente. Y lo mismo ocurre con el trabajo de Tim Burton; siendo uno de mis directores favoritos, van dos películas (incluida ésta) en las cuales se siente que su “magia” se ha ido perdiendo. “Dark Shadows” no es, en absoluto, uno de los mejores trabajos de Tim Burton.

* Soundtrack: "Top of the World" - The Carpenters

* Quotation: Barnabas: "You must have faith, doctor. For if a man can become a monster, then a monster can become a man."
*¨Página Oficial: http://darkshadowsmovie.warnerbros.com/

* Making of: PARTE 1
PARTE 2

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"Mirror Mirror"

"Espejito Espejito"
(2012)

Basada en el cuento de hadas de “Blancanieves”, se presenta una versión divertida y distinta de la joven más hermosa de toda la historia.

El comienzo es muy similar a la historia que conocemos; un rey con su preciosa hija de piel clara y cabello oscuro: Blancanieves, interpretada por Lily Collins. Se casa con una mujer para ayudar a criar a su hija. El rey va a combatir las fuerzas oscuras y jamás regresa. La mujer se convierte en una despiadada y vanidosa reina, con la capacidad de usar magia oscura con ayuda de un espejo y su reflejo. Reina interpretada por Julia Roberts de una manera bastante cómica, pero bien representada.

El giro que se le da a la historia busca presentar situaciones un tanto inéditas en relación a la historia clásica del cuento de hadas, con 7 enanos mineros pero a la vez guerreros, y una Blancanieves que lucha por lo que cree justo, en lugar de quedarse sentada (limpiando y cocinando), esperando a que su príncipe encantador la vaya a rescatar. Es más, hay un cambio en el juego: la misma princesa es quien rescata al príncipe, y más adelante, ambos luchan codo a codo contra la maldad de la bruja.

Hablando de la reina, se presentan con ella situaciones bastante graciosas, sobre todo en su relación con el príncipe Alcott (Armie Hammer), cuando intenta conquistarlo.

También se le puede agregar a esto su relación con Brighton, situación conocida de “el cazador” que trata de quitarle el corazón a Nieves para dárselo a su reina, pues tiene cierto sentimiento amoroso hacia ella, y todo lo demás. Un personaje bastante jocoso, y excelentemente interpretado por Nathan Lane.

Es una forma distinta de contar la historia, algo que encontré bastante refrescante. Los hechizos y ataques de la bruja crean situaciones nuevas en la trama. Y el final es tan original como impactante, resolviendo la historia de la huérfana Nieves como un círculo perfectamente cerrado (sin aclarar demasiado lo que ocurre, para no dar tantos Spoilers).

Una de las escenas que más gracia me dio (y que a la vez es un poco grotesca) es el “tratamiento de belleza” al que la reina se somete antes del baile real, utilizando “métodos convencionales” para tener un aspecto más “atractivo”, haciendo una clara burla a los tratamientos que se hacen las mujeres en la sociedad actual, para obtener una “imagen más bella” (según ellas), tales como el aumento del tamaño de los labios (algo que le debió doler a la reina, al utilizar avispas para tal tarea), exfoliación de la piel, cremas con colores y texturas extrañas, y más.

Las escenas en que la reina visita el lugar mágico para consultar su “espejito espejito”, representa una situación que encontré llamativo. El reflejo del espejo es la propia imagen de la reina, con un aspecto más cuidado y místico (pues se trata de un objeto mágico), y con una actitud no tan altanera como la de la reina, pero sí bastante inquietante, sobre todo por la forma como se dirige a la bruja, advirtiéndole sobre las consecuencias la magia (todo viene con un precio). Es como una especie de alter ego de la reina, que le muestra y otorga los planes que puede llevar a cabo, pero con advertencias un tanto ligeras sobre sus secuelas (ligeras, porque pareciera que el espejo disfruta, en cierta forma, todo lo que la reina lleva a cabo a sus expensas).

El final como tal del personaje de la reina es donde los tableros del juego dan un giro radical con relación a Blancanieves, dándose un intercambio de diálogos entre ambos personajes que son el desencadenante inicial de la confrontación entre ellas: “It’s important to know when you’ve been beaten. Yes?”. Momento crucial donde se trata de llevar a cabo la parte que todos conocemos de la historia de Blancanieves. Y falla, claro está, pues el bien ya había vencido finalmente al mal. 

El Soundtrack está compuesto por Alan Menken, presentando un estilo musical muy acorde con las historias de cuentos de hadas (como vals de salón, coros jocosos, campanillas de magia y violines dramáticos, por decirlo de alguna manera).

Al final de la película, luego de la boda entre Nieves y el príncipe, se presenta una escena musical de estilo Bollywoodense (“I Believe In Love”), claro homenaje a ese mundo cinematográfico a manos de su director, Tarsem Singh.

Muchos podrían rechazar “Mirror Mirror” como “una película más de Blancanieves, pero con una historia totalmente inventada”, pues hay personas a las que no les sienta bien este tipo de películas. Vuelvo a repetir: la trama no es la historia original, sino que está basada en ella (no se puede pretender que el cuento y la película sea lo mismo, pues estamos hablando de dos áreas completamente diferentes). Pero presenta situaciones nuevas y divertidas lo que hace que el filme sea bastante refrescante para el espectador. 

* Escena: Blancanieves rompe el hechizo del príncipe Alcott con su primer beso de verdadero amor. 

* Soundtrack: "I Believe In Love"

* Quotation: Snow White: "It's important to know when you've been beaten. Yes?"
* Página Oficial: http://www.mirrormirrorfilm.com/

* Making of: PARTE 1
PARTE 2

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"Ice Age: Continental Drift"

“La Era de Hielo 4”

(2012)

De todas las entregas, no me parece que sea la mejor. Pero aún así, esta cuarta parte estuvo genial. La animación de Blue Sky, como siempre, es excelente. Mostrando su lado de la historia sobre la creación de los continentes, Blue Sky presenta, nuevamente con las series de “La Era de Hielo”, otro fenómeno histórico de la naturaleza.

Los nuevos personajes que se introdujeron tienen personalidades muy bien definidas. Me agradó mucho que le hayan conseguido pareja a Diego, la dientes de sable Shira. Y Peaches (o Morita en español) es la perfecta combinación de sus padres. Otros personajse que me agradaron mucho fueron el topo Louis y la abuelita de Sid, además de presentar a personajes de anteriores entregas, como las zarigüeyas Eddie y Crash. 

La idea de introducir una historia de piratas en una era de hielo fue bastante original, sobre todo de la manera que Blue Sky lo hizo. El Capitán Tripa demuestra su actitud de pirata desalmado, y la variedad de animales en la tripulación es bastante llamativa, sobre todo por la “nacionalidad” y actitud de  cada uno de ellos.

Con las embarcaciones de grandes trozos de hielo flotante y un zorrino que representa la bandera pirata, se presenta también una situación típica en una historia de piratas; el encuentro con sirenas. Los de Blue Sky las representan como peces horrorosos y largos con ciertos poderes de ilusionismo para atraer a sus presas, atraparlas y comérselas. Esa escena en la película está increíble.

Está nuevamente el tema de que Manny es un mamut testarudo que lucha por no abandonar a su familia por nada del mundo, y que es capaz de navegar el océano y luchar contra piratas para volver a reunirse con sus seres queridos. Además de afirmar que su manada es la más extraña, sí (por estar constituida por mamuts, zarigüeyas, perezosos, topos y tigres dientes de sable), pero siempre permanecen unidos, preocupándose uno por el otro, "cuidándose las espaldas". 

Una de las situaciones que me pareció súper tierna es el posible “enamoramiento” (o crush) que Louis tiene hacia Peaches. Él es capaz de ver en ella la belleza y la fuerza que la mamut en verdad posee. Y aunque Peaches hiere sus sentimientos al mencionarle a los otros mamuts que ellos no eran amigos, Louis fue fiel a su amistad, y la salva valientemente del Capitán Tripa.

Como siempre, Scrat tiene sus propios problemas durante toda la película, pero generando cierta influencia en la trama principal del filme. En busca de una isla repleta de bellotas, Scrat también se las tiene que ver con la creación de los continentes, la furia de los piratas y el encantamiento de las sirenas (llamándole más la atención una gran bellota que la ardilla femenina, Scratte, que aparece en la tercera entrega de “Ice Age”). 

El filme culmina con Scrat llegando al lugar indicado en el mapa como el destino final de un tesoro marailloso, el cual es en realidad la ciudad flotante Scratlantis (una versión “fumada” de Atlantis, como pude escuchar entre el público mientras veía la película), llena de bellotas y ardillas listas, pensantes y parlantes con la apariencia de Scrat y Scratte. Con su obsesión por las bellotas, Scrat no puede evitar formar lío en la ciudad, terminando por quitar un tapón en forma de bellota, causando que la ciudad entera se hundiera, culminando el filme con un Scrat frustrado y chillando en medio de un desierto.

Hay varias cosas que critico. Una de ellas es la humanización que comenzaron a darle ciertos animales. El hecho de que manipulen objetos como las espadas no me molesta tanto. Lo que no me agradó mucho, por ejemplo, es el peinado y las formas de moverse de los mamuts. Aunque puedo comprender que lo hayan llevado por ese lado para “hacerlo parecer más moderno, y hacer que la juventud se sienta identificada con esas situaciones”.

La segunda cosa que critico es el exceso de personajes. No es el hecho de introducir nuevos personajes como Peaches, Louis, Shira y la abuelita de Sid. Pero sí, quizás, el uso constante de los mamuts adolescentes y cada uno de los piratas de la tripulación del Capitán Tripa; hay que estar siguiendo la historia de múltiples personajes en distintas situaciones y lugares, y eso cansa un poco. 

 

La animación, como mencioné antes, es espectacular, sobre todo por las texturas de los animales y los grandes escenarios naturales.

John Powell, compositor del Soundtrack de la película, está cada vez mejor. La música es fantástica, digna de un discípulo de Hans Zimmer (aunque no llegue aún a su nivel). Este Soundtrack me recuerda mucho al que hizo para "Horton Hears a Who", por la forma que tienen las canciones, si se podría decir así (las velocidades que toma y la manera en que organiza los sonidos de los distintos instrumentos). Una de las cosas que me dio gracia fue que, durante las escenas de Scrat (y se puede notar más en la última escena), hay variaciones del conocido "Himno a la Alegría", la novena sinfonía de Beethoven. 

 

Con la última canción durante los primeros créditos de la película, “We Are”, pude reconocer la voz de Jennifer López como la tigresa dientes de sable Shira. Y es que el cast en inglés es espectacular; Peter Dinklage como el Capitán Tripa (o Gutt, en inglés), Queen Latifah como Ellie, y más.

“Ice Age: Continental Drift” es una película muy buena, digna de Blue Sky, y con los mismos mensajes de la importancia de la familia y los amigos, sin importar las diferencias que presenten (en este caso, la variedad de especie que conforman a esa manada tan especial).

* Escena: Louis aparece repentinamente, y salva valientemente a Peaches.

* Soundtrack: "Scrat's Fantasia" - John Powell.

* Quotation: Granny: "Don't worry about me. I survived the meteor that killed the unicorns."

* Página oficial:  http://www.iceagemovie.com/

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